조선 최초의 협률사(協律舍)는 1895년 자수성가한 사업가 정치국(丁致國)이 인천 경동에 지은 협률사라고 알려져 있다. 1902년, 서울 정동에서 문을 연 협률사(協律社)보다 7년 앞선다. 이름은 같지만 인천의 협률사는 공연장소를 의미하고, 서울 정동의 협률사는 공연단체를 의미한다. 요즘식으로 말하자면 대관 공연이 목적이냐, 연희자를 확보한 공연단체의 하우스 공연장이냐의 차이일 것이다. 그러나 “협률(協律)”이라는 단어의 의미는 같다. ‘음악의 조화를 이루는 것’이라는 뜻으로 “공연”을 뜻한다. 고종의 재위 40주년 경축 의식을 거행하기 위해 당시 한성부 야주현에 있었던 황실 건물 봉상사 일부를 터 설립된 극장은 2층 500석 규모의 상설극장이었다. 경축 의식을 위해 전국의 판소리 명창·가기·무동 등 무려 170여 명을 모아 전속 단체를 만들었고, 대표는 명창 김창환이 맡았다. 이들은 관급을 받으면서 연희를 연습했지만 그해 여름, 콜레라가 돌고 영친왕이 병이 드는 등의 이유로 성대한 행사는 취소되고, 간략하게 지나가 버리자, 대중적인 연희장으로 쓰임새를 바꾸었다.
협률사 전속 창극단원 (출처: 한국학중앙연구원)
그리하여 개관작은 〈소춘대유희(笑春臺遊戱)〉라는 제목으로 1902년 12월 4일에 초연을 올렸다. 공연이 얼마나 오랫동안 지속되었는지는 분명하지 않아도 그해 12월에는 공연이 이어졌으며 저녁 6시에 시작해 10시에 공연을 마쳤다고 하니 결코 짧지 않은 시간이었다. 연희자도 많으니 레파토리도 많았을 터였다.
〈소춘대유희〉는 서양식 극장에서 올려진 최초의 전통 연희물이자 한국 근대 공연예술의 기점이기도 하다. 또한 이 공연은 관객들이 돈을 내고 표를 사기만 하면 신분이나 재산 유무와 상관없이 공연을 관람할 수 있었다. 높은 담벼락 안의 꼭꼭 숨겨져 있던 예술과 민중들이 좋아했던 예술이 한 자리에서 올라왔다. 그야말로 임금이 보던 춤이 어떤 것인지 호기심으로라도 표를 사고 싶게 만들었고, 유명한 연희자가 한자리에 모인다니 그 또한 안 볼 수 없었다. 프로그램의 중심은 당연히 ‘유희’였는데 어떤 것을 ‘유희’로 여겼는지도 중요하다. 당시 궁중에서만 볼 수 있었던 관기들의 궁중무가 처음으로 일반인을 대상으로 공연됐을 뿐만 아니라 당시에 유행했던 다양한 볼거리들도 함께 올라왔다. 기녀들의 춤과 판소리, 명창들의 판소리, 재인(才人)들의 곡예 등 전통연희가 복합적으로 어우러진 공연이었으니 한국판 보드빌(Vaudeville)이라고 할만했다. 1903년 2월부터는 배우들의 공연이 중지되고 기생들의 예능만 공연됐다. 산업화가 시작되던 시점이라 새로운 형태의 오락거리는 물론이거니와 기존의 오락거리도 좀 더 잘 보고 싶다는 욕구가 터져 나올 즈음이었다. 세계적으로도 이 시기에 상업적인 오락거리가 급속히 발전하던 시기였다. 협률사는 이후 부침을 겪다가 현재는 새문안교회가 들어서 극장으로서의 수명은 다했으나, 그 뜻을 이어받은 극장이 어딘가 있다면 그것은 아마도 같은 정동에 위치한 정동극장이 아닐까 싶다. 심지어 객석 규모도 얼추 비슷하다.
조선 후기 협률사는 궁중과 민간을 아우르며 음악과 연희를 담당하던 집단이었기에 그 존재 자체가 곧 협력과 조율의 상징이기도 했다. 각기 다른 소리와 몸짓, 역할을 가진 이들이 하나의 공연을 완성하기 위해 끊임없이 호흡을 맞추는 과정은, 협력의 기술이자 상생의 실천이었다. 그리고 끝없는 갈등의 장이기도 했다. 이러한 맥락에서 협률사의 개념은 정동극장 연희극 ‘광대’를 이해하는 중요한 지점이다. 협력과 상생은 유사한 개념처럼 보이지만, 실제로는 분명한 차이가 있다. 협력이 공동의 목표를 달성하기 위해 역할을 분담하고 힘을 결집하는 과정이라면, 상생은 그 과정에서 서로의 차이를 유지한 채 관계를 지속하고 함께 살아가는 방식에 가깝다. 협력이 기능적이고 기술적인 측면을 강조한다면, 상생은 관계의 지속성과 윤리적 차원을 포함한다. 정동극장 연희극 〈광대〉는 바로 이 두 개념이 어떻게 결합되고 확장되는지를 공연의 형식과 내용 전반에 걸쳐 설득력 있게 보여준다.
전통연희극 〈광대〉포스터 (출처: 국립정동극장)
이야기의 배경은 관객이 앉아 있는 정동극장이고 무대는 정동극장의 백스테이지다. 1902년에 초연을 올렸던 바로 그 소춘대유희의 2026년 공연 리허설을 하던 도중 정전이 되면서 리허설은 순간 뒤죽박죽이 되며 시간을 백 년도 더 앞으로 돌려 초연의 광대들이 공간과 시간을 가르며 밀려든다. 정전이라는 설정이 얼핏 너무 클리셰같지만 실제로 1903년 여름에 협률사에서는 영화를 상영하다 정전이 되었던 일로 문을 닫는 불상사를 겪었다. 하지만 협률사의 재개관을 바라는 열화와 같은 요구에 다시 문을 열었고 그 이후로도 건수만 잡으면 문을 닫는 일이 자주 일어났었다. 협률사의 연희자들이, 아니 백 년 전 연희자들이 정전사태에 경기를 일으킬 만도 한 일이다. 일이 이렇게 돌아가며 무대는 과거였다 현대였다 귀신이었다 사람이었다 하며 나이랑 상관없이 백 년은 더 선배인 과거의 광대들이 오늘의 광대들에게 한 수 가르치기도 하면서 과거의 갈등과 현재의 갈등이 가볍게 이어지기도 하지만 무엇보다 이 작품의 주인공은 연희 그 자체다. 등장인물인 순백과 아이가 주거니 받거니 대화를 나누면서 극의 메시지인 '광대란 한 시대를 즐겁게 살다가는 진정한 예술가'라는 사실을 들려준다.
이 작품에서 협력은 가장 먼저 ‘몸’의 차원에서 드러난다. 무대 위 광대들의 움직임은 개별적인 기교의 나열이 아니라, 서로의 호흡과 리듬에 의존하는 집단적 수행이다. 장단에 맞춰 이어지는 군무, 빠른 전환 속에서도 흐트러지지 않는 동선, 정확하게 맞물리는 타이밍은 각 배우가 독립적으로 존재할 수 없음을 전제한다. 〈광대〉는 이러한 협력을 단순한 기능적 결합에 머물게 하지 않는다. 그 위에 상생이라는 보다 넓은 관계의 차원을 구축한다. 광대들은 동일한 방식으로 움직이지 않으며, 각자의 개성과 리듬, 표현 방식을 유지한다. 중요한 것은 이 차이가 제거되지 않는다는 점이다. 오히려 서로 다른 움직임과 성격이 충돌하고 교차하면서 공연의 에너지가 생성된다. 상생은 여기서 동일화를 통해 이루어지는 것이 아니라, 차이를 인정하고 그것을 관계 속에서 지속시키는 방식으로 나타난다.
〈광대〉 공연 (출처: 국립정동극장)
공연 초반, 광대들이 던지는 추임새와 호응의 요청은 관객을 공연의 외부에 머무르게 하지 않는다. “얼씨구”, “좋다”와 같이 평소에는 사용할 일이 없는 추임새를 어느 순간부터 관객들은 함께하기 위해 추임새의 순간을 기다리고 입 밖으로 내어보기에 이른다. 최근 극장에서 관객들이 꼼짝도 하지 않고 앉아 오로지 정면만 바라보는 소위 ‘시체관극’이 섭섭한 관객들이라면 이 공연에서는 결코 섭섭하지 않을 것이다.
정동극장 연희극 〈광대〉는 협률사가 상징하던 ‘함께 맞추는 율’이 더 이상 과거의 개념이 아니라, 지금 이 시대에도 여전히 유효한 삶의 방식으로 확장됨을 증명한다. 그리고 이런 저런 해석이나 해설도 필요없이 이 공연은 들썩들썩 그저 즐거울 수 있으니 그 자체만으로도 소임을 다한 셈이다. 정동극장치고 공연기간도 꽤 길어서 5월 30일까지 공연된다.
| 시기 | 동일시기 이야기소재 | 장소 | 출전 |
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